Разведенный звук что это
Монтаж проморолика «Конченая»
На таймлайн ко мне попал фильм Terminal. В русском прокате он известен под названием Конченая. Да наши прокатчики умеют переводить. В общем нужно было сделать промо-анонс на этот фильм.
За основу ролика взяли интро фильма (видео ниже). Обычно мы так не делаем, но закадровый голос отлично описывает происходящие в фильме. Погружает в атмосферу, заявляя что у главной героини с головой проблемки имеются. А это, то что нам нужно. Ведь Конченую продаем.
Вся загвоздка заключалась в том, что закадровый голос уже сведен с музыкой и шумами. В таких ситуациях есть несколько решений:
1. Запросить разведенный звук у поставщика контента
У нас как-то был опыт работы с контентом от HBO для русского вещания. И тогда по запросу присылали разведенный звук, т.е. отдельные дорожки с музыкой, голосом, шумами и эффектами. В этот раз у канала такой возможности не было.
2. Перетонировать синхрон
На телевизионном языке перетонировать означает переозвучить. Для этого есть специальные базы. Нужно подобрать подходящий голос и отправить ролик на озвучку. Естественно для этого понадобится дополнительное время и дополнительный бюджет. Ни того ни другого у нас не было.
3. Отказаться от синхрона и выбрать другой
4. Работать с тем что есть
Многое зависит от исходного материала. Иногда можно подобрать музыку в тональность той, что играет на синхроне. Это работает когда он короткий. В нашем случае синхрон длинный. Если добавить другой трек, то при сведении всё вылезет наружу. На выходе будет мусор вместо звука. Поэтому мы решили оставить всё как есть.
Сначала я переделал монтаж, так как оригинальный (14 склеек) был слишком медленный. Для интро фильма это ОК, но не для промо. Почти все кадры в монтаже новые (желтый цвет), за исключением нескольких. Их пришлось оставить, так как они привязаны к оригинальному звуку (шаги, звон ключей). На картинке ниже видно насколько плотнее стал монтаж (34 склейки) + добавилась финальная часть.
После монтажа саунд-дизайнер добавил шумов и накрутил эффектов к новым кадрам. Предлагаю посмотреть, а точнее послушать как это звучит. В видео сейчас включена только дорожка с саунд-дизайном.
Всё что вы сейчас услышали, в проекте выглядит вот так:
А так выглядит финальный вариант со сведённым звуком.
Вам также могут быть интересны следующие посты:
Рекомендую подписаться на telegram-канал, чтобы не пропустить новый материал. Там много ништяков, которых нет на сайте.
JumpCut в Телеграме
Рекомендую подписаться на telegram-канал, чтобы не пропустить новый материал. Там много ништяков, которых нет на сайте.
Сведение и мастеринг звука – что это и зачем нужно
Запись инструментов и вокала на студии – это только первый шаг в создании песни. После подбора наиболее удачных дублей и тюнинга вокала трек отправляется на сведение и мастеринг.
О том, что это такое и для чего это нужно, мы расскажем в статье.
Основные этапы сведения звука
Упрощенно, сведение – это процесс микширования записанных дорожек и создание из них законченной песни с собственным характерным звучанием.
В процессе сведения можно выделить несколько основных этапов:
ВАЖНО! О записи и сведении
Не думайте, что сведение «все вытянет». Если запись изначально сделана некачественно, то и конечный результат будет плохим.
Инженер работает только с тем материалом, который у него есть. Он не сможет убрать клиппинг, поправить недотянутые бэнды и сделать яркой и четкой бубнящую гитару.
Поэтому, прежде чем отдавать записанный материал на сведение, убедитесь, что он звучит так, как вы задумали.
Подготовка к сведению
Прежде чем начать сводить трек, к этой работе необходимо подготовиться. Неважно, будете ли вы заниматься микшированием самостоятельно или наймете для этого профессионала. Описанные ниже действия в любом случае нужно выполнить.
Проверьте записанный материал.
Установка музыкального баланса
Хороший звукоинженер выстраивает каждый новый микс с нуля. Для этого он создает новый пустой проект в DAW, где задает темп песни и ее тональность. И только после этого начинает применять плагины и эффекты.
Перед началом работы выставьте все настройки громкости и панорамирования в нулевое положение. Этот процесс называется нормализацией. Обратите внимание, так нужно поступить со всеми инструментами. И солирующими, и выполняющими роль подложки. Нужный уровень громкости для каждой дорожки будет установлен на этапе динамической обработки.
ВАЖНО! Следите за уровнями
Проверьте, чтобы ни одна дорожка не перегружалась. Если нужно, понизьте уровень громкости на 3 – 12 дБ. Не бойтесь, что трек будет звучать тихо. На следующих этапах громкость будет увеличена.
Панорамирование инструментов
Вторым этапом сведения является расположение инструментов в виртуальном звуковом пространстве. Жестких правил панорамирования нет. Каждый звукоинженер решает это задачу по-своему. Но в современной музыке принято располагать бочку, бас и вокал по центру. Остальные инструменты разводят по каналам.
С помощью панорамирования звукоинженеры решают следующие задачи:
Более подробно о расположении звуков в виртуальном пространстве вы можете почитать в статье “Основы панорамирования. Расположение звуков в виртуальном пространстве“.
Эквализация и динамическая обработка
Главная задача эквализации – избежать частотных конфликтов. Например, чтобы бас и бочка звучали вместе, а не перекрывали друг друга.
Обратите внимание, эквализация нужна не для кардинального изменения частотного баланса, а лишь для подчеркивания нюансов в звучании композиции.
То есть эквалайзером вы лишь немного корректируете звук.
На рисунке ниже изображены примерные частотные диапазоны различных инструментов.
Частотные диапазоны музыкальных инструментов
ВАЖНО! О низкочастотных звуках
На этапе работы с эквалайзером у каждого инструмента уберите все частоты до 50 Гц (для баса – до 20 Гц). В этом диапазоне нет «полезных» звуков. Это позволит вам убрать все низкочастотные «артефакты» и избавит ваш микс от «грязи» и «бубнежа».
После эквализации проводится динамическая обработка компрессором и лимитером. С помощью компрессора производится корректировка динамического диапазона как отдельных инструментов, так и звучания всего трека.
Используя компрессор, звукорежиссер может сделать звучание резким и хлестким или, наоборот, мягким и грувовым.
При работе с компрессором нужно быть очень внимательным. Любая ошибка в настройках может полностью развалить микс или сделать его плоским и пережатым. Применять компрессор нужно осторожно и только там, где это действительно необходимо.
На этапе динамической обработки звука можно добавить модуляционные эффекты (хорус, тремоло, флэнжер, фэйзер, энвелоп фильтр и т.д.).
Формирование акустического пространства
Следующий этап сведения – пространственная обработка. Другими словами, создание объемного, живого звучания композиции.
Дело в том, что в реальности источники звука находятся от нас на различном расстоянии. Соответственно мы слышим их с определенной задержкой и несколько размытыми. Этот эффект нужно использовать при микшировании. Для этого применяются эффекты реверберации и задержки (дилея).
С их помощью вы формируете пространство и объем вашей композиции.
Никаких правил в применении пространствнных эффектов не существует. В разных жанрах музыки они используются в разном соотношении. Например, в ambient ревер нередко выкручивают на максимум. В то время, как в экстремальных жанрах рок-музыки ревер почти не используют.
Во многих DAW существуют готовые пресеты реверберации и дилея. На первых порах лучше использовать их.
Артистическая обработка
Последним шагом сведения является артистическая обработка композиции.
На этом этапе происходит работа с художественными нюансами, добавляются разные «фишки» для украшения трека. Например, «пинг-понг» дилей для гитары или эффекты вамми и дисторшна на вокале.
На этом этапе все зависит от вашего вкуса и фантазии. Но не стоит переусердствовать, потому что лишние эффекты могут испортить композицию.
Что такое мастеринг?
После сведения трек отправляется на мастеринг.
Основная цель мастеринга – финальная обработка готовой композиции и ее подготовка к тиражированию на физических и цифровых носителях. На этом этапе создается мастер-копия трека.
До наступления цифровой эры треки мастерились под стандарты звучания виниловых пластинок и аудио-кассет. Сегодня мастеринг делается с учетом требований интернет-площадок. Например, для корректной работы в iTunes треки мастерятся с некоторыми нюансами.
На этапе мастеринга звукорежиссер добавляет последние штрихи в музыкальное полотно. Это может быть обработка плагинами для эмуляции аналогового звучания, подъем или понижение громкости.
Заключение
Сведение и мастеринг – это по большому счету творческий процесс. Нет единых стандартов для любой композиции. Вы можете свести и отмастерить трек вопреки всем устоявшимся нормам, если того требует художественный замысел.
Поначалу лучше всего работать по референсам, копируя стиль и звучание ваших любимых артистов. Разобравшись в процессе, вы уже сможете самостоятельно выстраивать микс.
Ниже представлено видео, в котором наиболее понятно показано, как сведение и мастеринг влияют на конечное звучание песни.
Запись и сведение в условиях отсутствия денег
В этом посте я постараюсь рассказать о том как можно быстро, почтибесплатно и сравнительно качественно записать и свести хоть целый альбом. В моем случае мы использовали записанный материал в качестве «демок», чтобы явить себя миру, хотя если бы скилл сведения у меня был «прокачан» сильнее, можно было бы сделать полноценную запись.
В процессе были задействованы следующие устройства и ПО:
— ноутбук Macbook Pro 13″, на котором все и происходило.
— звуковая карта Lexicon Omega.
— микрофон Audio-Technica AT2020 для записи вокала.
— наушники AKG K240 MKII для мониторинга.
— Logic 9 + пакет плагинов.
Записывались: электрогитара, бас-гитара и вокал. Так что ответов про запись барабанов я не дам.
Лирическое отступление.
Перед тем как начать, я хотел предупредить тех то собирается записывать и сводить материал в первые. Это та еще головная боль! Несмотря на кажущуюся простоту (а сложного там на самом деле ничего и нет) вам придется измотать кучу нервов, переписывая одну и ту же партию по много раз (особенно с вокалом возни много), а потом при сведении исправлять косяки, которые вы пропустили при записи. И постоянно идти на компромиссы — это самое на мой взгляд сложное.
1. План действий.
Во-первых, настоятельно рекомендую заранее продумать что, где и как вы будете делать. Например, помещение для записи желательно найти заранее и договориться с владельцем. Причем помещение нужно не абы какое, а более менее акустически подготовленное, что особенно важно для записи вокала. Во-вторых, нужно хотя бы в теории знать что и как записывать, чтобы не получилось так что собрались, «воткнулись», а что делать дальше — загадка. В-третьих, порядок записи — в нашем случае в начале писался бас, поверх черновых барабанов, потом гитара, потом все это более-менее сводилось, а потом уже вокал. И наконец, в-четвертых, нужно сразу определиться какого типа продукт вы хотите получить на выходе — если хочется получить запись коммерческого уровня, то лучше перестать это читать, собрать много денег и сходить на студию. В противном случае читаем дальше.
2. Подготовка «минуса».
В нашем случае было все предельно просто — я просто «нарисовал» нужный ритмический рисунок ударных и все. Если вы будите писать ударные в живую, то все точно также — «настучали» нужный ритм, а потом после всех остальных инструментов, записали финальный вариант, со всеми сбивками и т.д.
3. Бас- и электро- гитары.
Вот мы и подобрались к самому интересному. На этапе записи гитар мы встретились с нашим первым компромиссом — как писать, через «комбики» и микрофонами или напрямую в «линию»? Бас-гитарист и гитарист, естественно, в один голос заявляли, что писать в «линию» не «комильфо», что звук не ламповый и не теплый. Моим единственным аргументом было то, что писать с «комбаря» никто из нас не умел, да и нужных эффектов не было. Таким образом было принято решение о записи в «линию», о чем, в принципе, мы не пожалели.
Поскольку нужды в дополнительном оборудование не было, мы собрались дома у нашего гитариста и начали запись. В техническом плане все предельно просто — инструмент в «звуковуху», «звуковуху» в ноутбук и понеслась. Единственная тонкость, чтобы при записи не было «перегруза» и все.
В самом «лоджике» тоже ничего сложного не было. Просто выделяем нужный отрезок в секвенсере (размером с нужную партию), ставим на дорожку какой-нибудь гитарный процессор (я брал стандартный Amp Designer), и начинаем писать. Не знаю как в остальных DAW, а в Logic есть такая замечательная функция — выделяешь «кусок», зацикливаешь его, жмешь запись, и много много раз записываешь одну и ту же партию — в итоге у нас есть несколько вариантов одной и той же партии и можно выбрать (или собрать) несколько самых лучших. Хотя если вы «хардкорщик», то можно и целиком все партии за один раз записать.
4. Вокал.
Итак, у нас записаны гитары, настал черед вокала. Самое время собирать все «железо» и ехать в заранее намеченное помещение. Нам в этом плане повезло, вокал мы писали на репетиционной базе, где и репетировали. Помещение с хорошей акустикой и звукоизоляцией, так что особо заморачиваться не пришлось. Единственное чего мы не предусмотрели, это отсутствие поп-фильтра для микрофона, что потом привело к некоторым проблемам при сведении. Технология опять же проста, подключаем все оборудование, одеваем на вокалиста наушники, ставим его перед микрофоном и делаем пробную запись. Если то что записалось не устраивает, подкручиваем настройки и пробуем еще раз. Опять же помните про «перегруз», от него потом никак не избавиться. Сама запись вокала длиться очень долго, учтите это. Нам на запись 5 песен понадобилось 3 часа, хотя базу мы сняли всего на 2, думали что хватит «с головой». Благо хозяин базы пошел на встречу и дал дозаписывать. Еще один совет — не наступайте на те же «грабли» что и мы, не записывайте вокал для одной песни в разные дни! Два раза настроить звук одинаково очень сложно, в итоге у нас в одной песне первый припев и куплеты отличаются по звуку от второго припева.
5. Сведение.
Самый жуткий этап, от него, в основном, будет зависеть качество финального продукта. Подробно рассказывать я ничего не буду, это тема для отдельной статьи, но основные моменты относительно каждого инструмента поясню.
1. Ударные — настоятельно советую разделить партию ударных на компоненты. Бочка отдельно, рабочий отдельно, «железо» отдельно. Так и контролировать их легче, и аранжировать можно гибче.
2. Бас — кто как, а я первым делом эквалайзером срезаю все верха и саб-басовые частоты, чтобы бас особо ни с кем не конфликтовал. Следом, обычно, идет плагин обработки (Waves CLA Bass/Kramer Bass/Maserati B72) для «тепла и ламповости», а следом компрессор.
3. Гитара — поскольку музыка у нас из раздела «рок со всеми вытекающими», то звук гитар усиливался с помощью Waves GTR Solo, а перед ним стоял эквалайзер который резал низы и две узких полоски примерно на 6000 и 6500, чтобы убрать резонансные частоты (которые слышно только на высокой громкости, но все же). Кстати, вырезать этот шум или нет — большой вопрос. Звучать гитары хоть и стали мягче, но как то «не по настоящему». Установка компрессора зависит от ситуации. Так же в некоторых треках гитары были «дабл-треком», т.е. две очень похожих партии, с одинаковыми эффектами, разведенные по панараме — одна влево, одна вправо. В итоге получается «жир» и «мясо» при минимальных усилиях 😉
4. Вокал — вот она самая беда. Любые эффекты применяются очень аккуратно, немного ревера в посыле, немного компрессии + Waves Vocal Rider (замечательная штука!). Опять же можно замутить «дабл-трек», но разводить по панораме нужно немного, особенно если в этом же треке так же сделаны гитары.
5. Клавишные/Эффекты — тут собственно все зависит от тембра, в разных треках все настроено по разному, возможно потому что я «накручивал» звуки в последнюю очередь, и в минус они итак вписывались.
6. Общая картина — опять же каких либо советов нет и быть не может. Все что можно сделать зависит от баланса громкости и панорамы, так что напрягайте уши и крутите пока не зазвучит.
7. Мастер-канал — условно в звукозаписи людей можно поделить на две группы — те кто вешает на мастер компрессор/лимитер и те кто не вешает. Поэтому призываю «холиваров» на эту тему не затевать. К слову я «вешал» 🙂 Но не от хорошей жизни, а потому что ума не хватало свести так чтобы можно было оставить мастер «свободным». Перед компрессором во всех случаях ставился эквалайзер, который в очередной раз резал резонансные частоты, но уже со всех дорожек.
Основы панорамирования. Расположение звуков в виртуальном пространстве
Современная коммерческая песня – это микс из множества записанных дорожек. Задача звукорежиссера – сложить звуки в единое полотно и правильно расположить их в панораме. От этого зависит итоговое звучание композиции и ее восприятие слушателем.
Грамотно выстроенное виртуальное пространство позволяет треку звучать объемно и натурально. И, наоборот, композиции с плохим панорамированием звучат плоско и неестественно.
Как слышит человек
Человек получает информацию о звуках окружающего мира с помощью своих ушей. Далее полученная информация поступает в мозг. Там она обрабатывается и преобразуется в готовую звуковую картину.
При этом мозг располагает звуки в пространстве вокруг человека. То есть создает объемную панораму окружающего мира.
От каждого уха мозг получает информацию отдельно, а затем полученные данные складываются. Это дает интересный эффект. Если вы сядете перед двумя колонками на равном расстоянии от каждой из них, то у вас будет ощущение, что звук формируется не слева и справа, а прямо перед вашим лицом.
ИНТЕРЕСНО. О звуках в пространстве, клавиатуре фортепиано и частотах эквалайзера.
Человеческий мозг предполагает, что низкие звуки располагаются в пространстве слева, а высокие ‑ справа. Если вы посмотрите на клавиатуру фортепиано, то увидите, что в левой части расположены клавиши низких нот, а справа — высоких. Точно на также изображаются частоты на эквалайзере: слева ‑ басы, справа ‑ верха.
Как было раньше
Панорамирование — это не изобретение эпохи звукозаписи.
Музыканты в оркестре всегда располагаются каждый на своем определенном месте. Так, например, ударные инструменты почти всегда находятся в центре панорамы, но позади солирующих инструментов. Струнные и духовые расположены слева и справа. Вокалист или другой ведущий инструмент располагаются в центре авансцены.
Расположение инструментов в классическом оркестре
С развитием звукозаписи появилась необходимость расположить музыкальные инструменты в виртуальном пространстве, чтобы композиция воспринималась как при живом исполнении.
В середине прошлого столетия технические средства не позволяли записывать несколько дорожек. Все инструменты записывались одновременно. Поэтому музыканты располагались на разном расстоянии от микрофона. Так были сделаны классические записи Майлза Дэвиса, Хаулина Вулфа и многих других артистов.
Запись инструментов в середине прошлого века
Сейчас для одного трека музыканты записывают множество дорожек. Из этих дорожек звукорежиссер уже собирает готовую композицию.
Задачи панорамирования и их решение
Основная цель панорамирования — сделать запись «живой» и объемной. Слушатель должен воспринимать всю звуковую палитру без провалов и выпирания по частотам.
При работе с панорамой вы должны решить следующие задачи:
Расположение инструментов
Прежде всего для решения этих задач вы должны представлять себе общее звучание вашего микса. Чтобы было легче, сделайте чертеж со схематичным расположением инструментов.
Например, для рок-композиции он будет выглядеть так.
Схема панорамирования в рок-песнях
Дальнейшую работу осуществляйте с этой схемой. Расположите инструменты в миксе и прослушайте получившийся результат. Внесите необходимые корректировки.
Помните, что конечный результат — это продукт вашего слуха, вкуса и технических навыков. К каждому треку вы подбираете собственное решение. Делайте панораму уже или шире в соответствии с творческой необходимостью.
Частотный баланс
При работе с музыкальным материалом помните, что у каждого инструмента есть свой частотный диапазон:
Чтобы инструменты не «тонули» в миксе, разводите их по панораме. Простой пример: если ритм-гитару, духовые и клавиши вы поместите в центр, то разобрать звучание каждого инструмента будет невозможно.
ВАЖНО! О громкости и середине.
В работе учитывайте тот факт, что добавление средних частот воспринимается как увеличение громкости трека.
Баланс панорамы
Нагружайте правый и левый каналы равномерно. В художественных целях вы можете в какой-то части композиции намеренно создать дисбаланс. Например, как во вступлении к песне «White Limo» группы Foo Fighters.
Но в целом звучание обоих каналов должно быть сбалансированным. Контролируйте баланс на слух или по индикатору мастер-шины.
Пример сбалансированного звучания обоих каналов
Панорамирование инструментов с позиции слушателя
Существует два способа панорамирования музыкальной записи: с позиции слушателя и исполнителя.
Цель панорамирования с позиции слушателя — передать атмосферу концертного выступления. При этом способе панорама создается таким образом, чтобы слушатель находился как бы перед виртуальным пространством.
Схематично это можно изобразить так:
Схематичное изображение панорамирования с позиции слушателя
Это самый распространенный способ создания панорамы. Его преимущества в том, что слушатель получает максимально плотный и грувовый микс. Ширина панорамы оптимальна. Звуки не сконцентрированы в одном месте, но и не находятся слишком далеко друг от друга.
99% современной популярной музыки (рок, поп, рэп) звучит именно так.
Панорамирование с позиции исполнителя
Цель панорамирования с позиции исполнителя — дать слушателю ощущение участия в концерте.
Панорама создается таким образом, чтобы слушатель как будто бы находился на сцене вместе с другими музыкантами.
Схематично это выглядит следующим образом:
Схематичное изображение панорамирования с позиции исполнителя
Центром звуковой картины становится вокал или солирующий инструмент. Отличительной особенностью трека с панорамированием с позиции исполнителя является ощущение, что вокалист стоит прямо за вашей спиной. Вы как будто затылком слышите его.
Панорамированием с позиции исполнителя создаются записи джазовых и классических оркестров, а также записи формата live in studio.
Прекрасным примером панорамирования с позиции исполнителя являются работы Ника Кейва «Oh Children», «Higgs Boson Blues», «Abbatoir Blues».
Советы правильного панорамирования
Панорамирование, как и все, что связано с музыкой, – это творческий процесс. Никаких непреложных законов в этом деле нет. На десятках культовых записей панорама не соответствует общепринятым стандартам. Послушайте, например, «Come Together» или «Paranoid».
Тем не менее, существуют устоявшиеся принципы панорамирования. Поначалу следуйте им.