С чего начать начинающему хореографу
С чего начать начинающему хореографу
У каждого начинающего хореографа возникают сомнения и вопросы, которые порой даже сформулировать непросто. Придумать движения – вроде бы несложно, разложить музыку – тоже не проблема, но похоже, что этого недостаточно и, несмотря на накопленный опыт в танцах, при постановке хореографии в голове у начинающих часто проносится мысль «Как?! Как они это делают?»
Мы спросили об этом у настоящих мастеров в области постановки хореографии. Алексей Арапов и Александр Тронов дали пять советов, которые помогут начинающим освоиться в этой сфере.
1. Общайтесь с людьми
Не зря говорят, что общение – это ключ к самопознанию. Пытаясь узнать внутренний мир других людей, мы начинаем понимать и свой собственный.
«Я часто контактирую с людьми и по танцевальным проектам, и просто так. Вообще, очень важно общаться с людьми просто так», — делится Саша Тронов.
2. Развивайтесь вне своего стиля
Танцуя одно и то же, можно улучшить технику, но ничего нового о себе и о танцах не узнаешь. Освободитесь от стереотипа, что нужно танцевать только то, что получается, – старайтесь преодолевать себя, пробовать новое и, возможно, пока ещё неудобное. Все стили важны, и в каждом вы сможете найти что-то интересное и полезное для себя.
3. Развивайтесь культурно
Александр Тронов говорит, что не проходит и трёх дней, чтобы он не сходил в театр, в кино, на выставку или мастер-класс. Для творческого человека такие мероприятия – как своеобразные лекции, источник новой информации, идей и вдохновения.
«Я вообще фанат знаний. Всё это потом и выливается в танцевальном зале в различные хореографические метаморфозы».
4. Качайте мозги
«Хочешь быстро бегать – тренируй ноги, функционал и т.д. Хочешь хорошо придумывать – тренируй мозг. Как и мышцы, его надо закачивать соответствующими упражнениями: смотри, анализируй, принимай решения, расширяй кругозор. Придумывай, придумывай и ещё раз придумывай», — делится Алексей Арапов.
5. Больше практики
Любое мастерство приходит с опытом, поэтому не упускайте ни одной возможности придумать танец. С каждой новой постановкой ваши навыки в хореографии будут улучшаться, и сам процесс сочинения постепенно станет понятным и привычным.
Алексей рекомендует: «Если хочешь научиться танцевать, надо много танцевать. Если хочешь научиться ставить, надо много ставить! И в том, и в другом случае надо прорабатывать соответствующие механизмы».
Следуя советам, важно не забывать, для чего вы танцуете. Не пытайтесь придумать что-нибудь слишком сложное и непохожее на вас с целью впечатлить публику. Выражайте в движениях свои чувства, вызванные музыкой, делитесь своей любовью к танцу, и тогда ваше творчество вызовет у людей ответные эмоции.
Универсальные советы начинающему хореографу
10 универсальных советов начинающему хореографу
1. Расширяй свой кругозор.
Читай книги, смотри авторское кино, ходи на драматические спектакли и выставки, общайся с творческими людьми. Все это наполняет тебя новой информацией, делает более счастливым, формирует восприятие и мировоззрение. Делает тебя личностью и учит смотреть на мир из разных точек зрения.
Многие недооценивают роль импровизации в профессии хореографа, а зря. Так как, это прекрасный способ находиться внутри настоящего, аутентичного тебе танца, держать свое тело и разум в форме. Чистое удовольствие от танца, который лишен, каких либо оценок.
3. Вдохновлялся жизнью.
Раскрой глаза пошире. Как много вокруг движения: в бликах солнца на асфальте, в воробьях, прыгающих с ветки на ветку, в терзаемом бурным ветром дереве, в играющих детях, в старых и плохо закрывающихся дверях. Жизнь вокруг тебя способна вдохновлять на создание чего-то нового.
4. Запоминай детали и фантазируй.
Смотри на вещи не всегда глобально, учись замечать детали. Красный берет в серой толпе, едва заметную хромоту у молодой девушки, скользкую улыбку буфетчицы, решение ребенка нарисовать Белоснежку с бурундуком, книгу в руках прохожего. Придумывай, для всего этого, свои истории. Кто это? Откуда он пришел? Куда идет и чего хочет? Пусть это будет бредово, но так ты найдешь именно то, что нужно для тебя в этот конкретный момент.
5. Наблюдай и анализируй.
За всем: людьми, животными, ситуациями, собой. Разбирайся в смыслах, ищи первопричины, находи логические связи. Все это работает в постановке танца и позволит тебе приблизить зрителя к себе.
Любой страх уничтожает твой творческий потенциал. Страх быть не понятым, страх повторить чью-то идею или повториться самому, страх неудачи и страх начала нового проекта. Все это мешает тебе и сковывает. Забудь про все это и просто твори. Никому нет дела до тебя, на самом деле. Поэтому создавай танец для себя и тогда зритель будет твоим в сопереживаниях или раздумьях.
7. Делай то, что хочется.
Только так. И даже если у тебя заказ, который не особо нравится, начни хотеть увидеть положительный результат или получить приличный гонорар или побыть в творческом процессе. И. делай что хочется.
8. Люби своих танцовщиков.
Не ври им и не говори, что любишь. Просто береги их, уважай их, будь всегда на их стороне и они отдадут тебе сторицей. Хм. Ну, может быть, и не отдадут. Но ты, же был честен по отношению к ним? Так что можешь, хотя бы, собой гордиться.
9. Наслаждайся процессом.
Невозможно работать только на результат. Это как жить от зарплаты к зарплате. Мы так часто находимся в зале, что на это уходит уйма времени отведенного нам на этой планете, не стоит проводить целую жизнь в ожидании. Люби сейчас, смейся сейчас, получай удовольствие от танца и общения сейчас. Как там? «Завтра ведь может и не быть».
10. Отсекай лишнее без сомнения, добавляй свое без страха.
Убирай любимую «фишку», если она не к месту внутри постановки, выбрасывай целые связки, если они не вплетаются в контекст работы. Смело меняй и убирай персонажей, бери музыку, которая вдохновляет, добавляй свои детали. Кто сказал, что ты не можешь этого делать? Кто тебе запретит? Кто эти люди и почему они имеют право указывать тебе, что ты должен видеть, чувствовать и создавать? Убирай лишнее из своей жизни и творчества! Это же касается и людей, не позволяй им превращаться в балласт или в паразитов.
Пусть у вас все, получается, будьте счастливы, так как танец прекраснейшее и самое честное из искусств.
Какому стилю танцев проще научиться, как объяснить, о чем балет, и что делать, если уронил партнершу? Сергей Микель отвечает на вопросы о работе хореографа-постановщика
«На дискотеках не танцую»
Найти дело всей жизни никогда не поздно. Потому что любая профессия начинается с людей – знания приходят постепенно. В рубрике «А что, если ты…» мы задаем наивные вопросы представителям необычных профессий и получаем на них умные, неожиданные и очень честные ответы. А наш пошаговый гид – специально для тех, кто только-только планирует освоить новые специальности и направления.
Какому стилю танцев проще научиться, как объяснить, о чем балет, и что делать, если уронил партнершу? На вопросы о своей профессии отвечает Сергей Микель – приглашенный хореограф-постановщик Большого театра оперы и балета.
1. Итак, хочу стать хореографом-постановщиком. С чего начать?
– С малого. Постараться сочинить хотя бы одну хореографическую миниатюру или танцевальный этюд и показать его зрителю. Можно участвовать в конкурсах, концертах, фестивалях… Но даже если это будет просто работа с исполнителем и миниатюру никто не увидит, этот опыт станет огромным плюсом для будущей карьеры.
2. Хо реограф и балетмейстер – разные люди?
– Хореограф – понятие более универсальное. На территории постсоветского пространства считается, что хореограф-постановщик – это автор хореографии, который работает с малыми формами, а балетмейстер – мастер балетного спектакля. Мировые театры используют только слово «хореограф». Там это собирательный образ, обозначающий человека, который занимается постановкой хореографии чего бы то ни было.
3. Хореограф должен сам уметь танцевать?
– Образование в сфере танца должно быть обязательно. Тогда постановщик будет разговаривать с исполнителем на одном языке. Человек, который не знает физиологии и принципов построения движений, не объяснит танцовщику свою задумку. При этом хореограф может не быть гениальным исполнителем. Все-таки это два разных вида деятельности: ставить танец и исполнять его.
4. Любой танцор может стать хореографом?
– Сейчас, конечно, я должен ответить примерно следующее: «О нет, обязательно должны быть дар, талант, предрасположенность». Во многом это правда. Но одно дело считать себя хореографом, а другое – быть им. Хотя работа хореографа достаточно тяжелая. Многие думают: «Да что ему там на стуле посидеть!» Но вообще это активный мыслительный процесс. И вот он, думаю, не каждому под силу.
Первый проект Сергея Микеля для Большого театра – балет «Пер Гюнт»
5. Как приходят в голову движения?
– По-разному. Это что-то на уровне вопроса: «Откуда берется вдохновение?» Отвечу так: новая хореография появляется из поиска нового и от желания это новое найти.
6. Какому стилю танцев проще и быстрее научиться?
– Скажу, чему сложнее, – импровизации. Всему остальному научиться можно при большом желании.
7. Как зрителю понять, о чем балет, если не купил программку?
– Есть зрители, которые в теме. Они не впервые посещают балетные спектакли и театр в целом, знают, как и что там устроено. Такой зритель многое поймет и без программки. Главное, он умеет читать условности и всегда готов настроиться на идею постановщика. А еще такой зритель открыт ко всему новому. Бывают и обратные случаи. Это когда приходят люди с определенными убеждениями. Если они не видят на сцене того, на что уже заранее настроились, разочаровываются.
8. Что делать, если артист забыл движения?
– Здесь дело опыта. Опытные танцовщики продолжают двигаться дальше. Неопытные могут потеряться. Тогда одно забытое движение ведет за собой второе, третье, четвертое… А вообще в театре говорят: «Только хореограф и танцовщик знают, как должно быть правильно. Зритель-то даже не догадывается, какое движение будет следующим». Поэтому если забыл – выходи из положения и продолжай. Это касается сольного исполнения. Но если это синхронная массовая сцена, то, конечно, будет видно, когда кто-то ошибется. Главное – не паниковать, а дальше входить в комбинацию и включаться в общий танец.
Хореограф часто не только учит других, но и танцует сам
9 …А если уронил партнершу?
– Ой, ну этот вариант серьезнее, конечно. Если кто-то падает на сцене, переживает не только партнер, но и весь зал. Иногда из партера можно даже услышать возгласы сожаления. Что делать в этом случае? Зрителям и хореографу – посочувствовать артисту, артисту – встать и найти силы достойно продолжить танец. Главное, чтобы это падение не повлияло на настроение всего номера (этюда, вариации).
10. Хореограф может двигаться под любую музыку?
– Танцевать – да. А вообще мне нравится иногда сочинять в тишине.
11. На дискотеках всегда танцуете лучше всех?
– Вообще там не танцую. Наблюдаю за остальными.
12. Трико когда-нибудь рвались?
– Если честно, даже не слышал, чтобы у артистов балета когда-нибудь рвались трико прямо на сцене. Другие части костюма – бывает.
13. Друзьям легко достаете билеты в театр?
– В принципе это несложно. У хореографа-постановщика есть некоторые привилегии. Например, нам выделяют пригласительные билеты, которые я могу отдать близким, друзьям. Но далеко не на все спектакли.
14. Что сложнее: классика или контемп?
– Что сложнее, сказать не могу. Но то, что одно без другого в современном театре существовать не может, это факт. Чтобы танцевать современную хореографию на хорошем уровне, важно иметь базу, классическое образование. А чтобы не быть заложником классической хореографии, нужно разнообразить багаж знаний и умений. Для этого хорошо бы владеть разными стилями современных танцев. В наше время классика и современная хореография стоят рядом. Прогрессивные театры это понимают и используют в репертуаре и то и другое.
15. Сколько лет нужно заниматься, чтобы танцевать, как в фильме «Шаг вперед»?
– Минимум пять лет. В нашей стране балету учатся восемь лет. Ну а чтобы освоить уличные стили, нужен год, это минимальный срок.
Сергей Микель – хореограф-постановщик. Родился в деревне Слобода Миорского района. Учился в Верхнедвинской школе искусств, танцевал в хореографическом ансамбле «Лялькі». В 2008 году поступил в Витебский государственный колледж культуры и искусств, после – на балетмейстерское отделение в Белорусскую государственную академию искусств на курс Валентина Елизарьева. Поставил три балета в Белорусском государственном музыкальном театре: «Вишневый сад», «Титаник» и «Джеймс и Персик-великан», а также балет «Пер Гюнт» в Большом театре оперы и балета.
Фото из личного архива Сергея Микеля и Виктора Драчева.
С чего начать начинающему хореографу
У каждого начинающего хореографа возникают сомнения и вопросы, которые порой даже сформулировать непросто. Придумать движения – вроде бы несложно, разложить музыку – тоже не проблема, но похоже, что этого недостаточно и, несмотря на накопленный опыт в танцах, при постановке хореографии в голове у начинающих часто проносится мысль «Как?! Как они это делают?»
Мы спросили об этом у настоящих мастеров в области постановки хореографии. Алексей Арапов и Александр Тронов дали пять советов, которые помогут начинающим освоиться в этой сфере.
1. Общайтесь с людьми
Не зря говорят, что общение – это ключ к самопознанию. Пытаясь узнать внутренний мир других людей, мы начинаем понимать и свой собственный.
«Я часто контактирую с людьми и по танцевальным проектам, и просто так. Вообще, очень важно общаться с людьми просто так», — делится Саша Тронов.
2. Развивайтесь вне своего стиля
Танцуя одно и то же, можно улучшить технику, но ничего нового о себе и о танцах не узнаешь. Освободитесь от стереотипа, что нужно танцевать только то, что получается, – старайтесь преодолевать себя, пробовать новое и, возможно, пока ещё неудобное. Все стили важны, и в каждом вы сможете найти что-то интересное и полезное для себя.
3. Развивайтесь культурно
Александр Тронов говорит, что не проходит и трёх дней, чтобы он не сходил в театр, в кино, на выставку или мастер-класс. Для творческого человека такие мероприятия – как своеобразные лекции, источник новой информации, идей и вдохновения.
«Я вообще фанат знаний. Всё это потом и выливается в танцевальном зале в различные хореографические метаморфозы».
4. Качайте мозги
«Хочешь быстро бегать – тренируй ноги, функционал и т.д. Хочешь хорошо придумывать – тренируй мозг. Как и мышцы, его надо закачивать соответствующими упражнениями: смотри, анализируй, принимай решения, расширяй кругозор. Придумывай, придумывай и ещё раз придумывай», — делится Алексей Арапов.
5. Больше практики
Любое мастерство приходит с опытом, поэтому не упускайте ни одной возможности придумать танец. С каждой новой постановкой ваши навыки в хореографии будут улучшаться, и сам процесс сочинения постепенно станет понятным и привычным.
Алексей рекомендует: «Если хочешь научиться танцевать, надо много танцевать. Если хочешь научиться ставить, надо много ставить! И в том, и в другом случае надо прорабатывать соответствующие механизмы».
Следуя советам, важно не забывать, для чего вы танцуете. Не пытайтесь придумать что-нибудь слишком сложное и непохожее на вас с целью впечатлить публику. Выражайте в движениях свои чувства, вызванные музыкой, делитесь своей любовью к танцу, и тогда ваше творчество вызовет у людей ответные эмоции.
Методические рекомендации для начинающего педагога-хореографа
ПЕДАГОГИЧЕСКИЕ ПРИНЦИПЫ РАБОТЫ С ХОРЕОГРАФИЧЕСКИМ КОЛЛЕКТИВОМ
образования МАУ ДОД «ЦДО»
г. Балаково Саратовской области
II Педагогические принципы работы с хореографическим коллективом, их значимость
Принцип прочности усвоенных знаний
Тема данных методических рекомендаций выбрана неслучайно, она актуальна и своевременна, а проблема, отражённая в данной теме имеет важное значение для учреждения образования.
Для этого есть определённые причины. Многие молодые педагоги-хореографы после окончания высших и средних учебных заведений сталкиваются с одной из наиболее важных проблем при организации работы в собственном хореографическом коллективе.
Как выстроить процесс работы так, чтобы достичь наибольшей эффективности обучения, как наиболее правильно преобразовать свои профессиональные знания в творческие умения.
Поэтому главная цель данных методических рекомендаций – это помочь молодым специалистам в организации процесса работы с хореографическим коллективом. Повышение эффективности обучения за счёт грамотно и логически выстроенного процесса работы, повышение профессионального уровня хореографического коллектива являются основными задачами этих рекомендаций.
Процесс обучения в самодеятельном хореографическом коллективе значительно отличается от процесса обучения школ искусств, хореографических училищ, институтов культуры. В самодеятельном коллективе большая часть времени связана с выступлениями, что в свою очередь вызывает необходимость сокращения курса обучения. Поэтому, исходя из условий и возможностей коллектива, руководитель должен правильно выстраивать процесс обучения.
Разные учёные выделяют разнее количество принципов обучения: 4,5,7 и более.
Учитывая специфику самодеятельного хореографического коллектива, я выделила следующие:
1. принцип активности
2. принцип наглядности
3. принцип доступности
4. принцип систематичности
5. принцип прочности знаний
1. Принцип активности
Этот принцип характеризует отношение человека к действительности, его позицию, проявляющуюся в действительности, обучении, творчестве.
Активность воспитывает, прежде всего:
самостоятельность, когда действия и слова педагога будят мысль ученика, желание повторить движение
культуру движения, когда отдаётся предпочтение технике исполнения, анне силе.
Но следует отметить, что активность не должна быть чересчур подражательной. Конечно, на первых порах дети невольно заимствуют исполнительскую манеру своего педагога. Затем, когда у них появиться уверенность в своих силах и некоторая самостоятельность действия, надо постепенно предлагать им вкладывать в каждое учебное задание своё исполнительское чувство, своё отношение к нему, то есть проявлять свою манеру движения. Надо следить за тем, чтобы обучающиеся проявляли искренность и безыскусственность действия, чтобы « не играли» манеру движения, а чтобы она рождалась естественно, а не по принуждению. Подобный подход позволит обучающемуся «найти себя», свою индивидуальность.
В данном педагогическом принципе главное для педагога это:
объяснить цель и значение движения
в новом опираться на усвоенное
применять словесный отчёт, анализировать причины ошибок, прежде чем их исправлять
применять метод поощрения
Так как коллектив состоит из детей различной одарённости, то и результаты обучения будут отличаться друг от друга. Не все из них могут освоить высокую степень техники классического танца. В таком случае педагог обязан сделать всё от него зависящее, чтобы обучающийся добился лучших результатов. Если же это невозможно, то программа для данного обучающегося должна считаться исчерпанной. Пусть результаты будут неодинаковы, но все должны овладеть исполнительской культурой танца в пределах своих профессиональных возможностей.
При постановке цели, например овладение каким-либо движением надо обратить внимание обучающихся на роль воли, упорства, настойчивости, сознательного усвоения навыков.
2. Принцип наглядности
Именно с этого принципа приходиться начинать приводить в жизнь все остальные принципы в хореографическом коллективе и каждый день начинать работу с этого принципа.
Практически принцип наглядности осуществляется по правилу «от простого к сложному»:
название движения или комбинации
краткое описание и последовательность исполнения
повторный показ (если необходимо)
объяснение (выделение главных элементов)
осмысление техники исполнения
Следует особо отметить, что метод наглядного показа должен помогать ребёнку понять и освоить исполнительские правила техники движения.
Быстрейшему освоению движения помогают:
ритм и темп исполнения
физическая помощь (станок, рука педагога)
В младшей группе новые движения нужно показывать подробно, замедленно, как бы по складам, по несколько раз, до полного усвоения обучающимися.
В средней группе показ необходим уже в меньшей мере, так как возраст, сознание и техническая подготовленность позволяют обучающимся быстрее запоминать и осваивать новые движения.
В старшей группе показом следует пользоваться ещё экономнее.
На собственном опыте я убедилась, что например, в заданиях экзерсиса следует показывать только основное звено, основной рисунок их построения, а adaqio лучше показывать полностью. Простые прыжки можно показывать также как и движения экзерсиса, а сложные прыжки целиком. Это позволяет избежать непроизвольной потери времени и снижения темпа урока.
Я бы выделила несколько правил для педагога в осуществлении этого принципа:
показ должен быть продуман и методически грамотен
учитывать физическую и психическую готовность обучающихся к занятиям
учитывать индивидуальные особенности обучающихся
эмоциональность должна стать одним из главных элементов в проведении занятий
Именно принцип наглядности хорошо воспитывает и укрепляет память обучающегося, в первую очередь зрительную память, так как зрительная память фиксирует в сознании его всё то, что ему показывал и показывает педагог, а также воспитывает исполнительскую память и культуру поведения обучающегося.
Я полностью согласна со словами, сказанными известным психологом, чешским мыслителем-гуманистом, педагогом Я.А.Каменским: «Если мы намеренны насаждать в учащихся истинные и достоверные знания, то мы вообще должны стремиться обучать всему при помощи личного наблюдения и чувственной наглядности».
Наиболее важным в данном принципе работы для педагога я считаю, что:
при показе нового необходимо опираться на условие – от лёгкого к трудному, от простого к сложному, от известного к неизвестному
учитывать индивидуальности детей – пол. Возраст, темперамент, техническую подготовленность, состояние здоровья
к сильным повышать требования, слабых поощрять
искать причину ошибки вместе с обучающимися
Руководитель должен знать уровень развития и потенциальные возможности детей. Нарушение этого правила может отрицательно сказаться на мотивации обучающихся заниматься хореографией.
Но принцип доступности предполагает постоянное преодоление трудностей, эмоциональной, интеллектуальной, физической нагрузки.
Доступными, прежде всего, должны быть:
физическая нагрузка (темп, количество повторов)
Устанавливая объём знаний, которые могут быть усвоены, педагог может давать задания, опережающие достигнутый уровень, что активизирует обучающихся на преодоление новых трудностей, заинтересовывает их. Но чтобы избежать утомляемости организма ребёнка, необходимо чередовать периоды напряжения с периодами отдыха. Это позволит восстановить силы и быть готовым к выполнению ещё более сложных заданий.
Принцип этот направлен, прежде всего, на закрепление ранее усвоенных знаний, умений, навыков, личностных качеств, их последовательное развитие и совершенствование.
В младшей группе (7-8 лет) закладывается основа, без которой в дальнейшем не может крепнуть и развиваться мастерство будущего танцовщика.
Основываясь на собственном опыте, я пришла к выводу – чем чаще меняется темпоритм урока и больше используется приём-показ (слово ограниченно), чем разнообразнее, эмоциональнее, выразительней речь, тем лучше воспринимается ребёнком то, что требует от него педагог, лучше происходит воспитание музыкальной культуры и культуры поведения и главное – воспитание коллективного исполнения.
В основе репертуара, на мой взгляд, должно быть больше сюжетных, жизнерадостных танцев, они должны быть событийными, но в тоже время доступными для восприятия.
При формировании репертуара необходимо учитывать, что сложная координация, точность уже доступны и им становятся уже чужды конкретные, приземлённые характеры, образы, сюжеты. Если один из разделов программы будет проработан педагогом технически и художественно неполноценно, то в общем курсе обучения образуется непоправимый изъян.
Я считаю важным для педагога:
1. последовательно планировать изучение движения
2. не преодолевать сразу несколько трудностей
3. соблюдать регламент урока и его частей
Чем моложе коллектив по времени существования, тем больше времени отводится на экзерсис. Необходимо также убедить обучающихся, что успех в овладении танцем может быть достигнут только в результате систематического посещения занятий и упорного труда.
В ходе обучения как бы происходит связывание ранее усвоенного новым материалом. Обучение, его внутренняя структура приобретает стройность, целостность. Именно систематичность в построении занятий является чертой профессионализма педагога.
Данный педагогический принцип помогает правильно и логично организовать образовательный процесс и тем самым позволяет за меньшее время достичь больших результатов.
5. Принцип прочности усвоенных знаний
Этот принцип достигается благодаря систематическому повторению действий в постоянных условиях. На прочность знаний большое воздействие оказывает эмоциональность образовательного процесса, его увлекательность. Это развивает интерес обучающихся.
Педагог должен помнить, что нельзя переходить к новому материалу, не усвоив предыдущего; повторять усвоенное в сочетаниях и комбинациях; не допускать длительных перерывов в занятиях, репетициях, концертах.
Необходимо также закреплять знания, изменяя условия: исполнение на оценку, присутствие в классе родителей или педагога. Действительно практика доказывает, что в присутствии кого-либо в классе или, исполняя на оценку, ребёнок проявляет большую старательность, внимательность, выразительность.
Принцип прочности усвоенных знаний – есть показатель эффективности обучения, служит основанием для дальнейшего развития техники и выразительности детей.